はい。私はギリシャのテサロニキという故郷で育ちました。

子どもの頃の私は、恥ずかしがり屋で、周りをよく観察している男の子だったと思います。

同時に、母がアトリエでドレスなどの服を作っていたので、ミシンや布地の存在をとても身近に感じながら育ちました。創造的で、生産的で、時にストレスもある世界。その中で、母が服づくりに向き合う姿を見て育ったんです。

22歳から23歳くらいの頃です。

ギリシャで母の影響を受けて育った一方で、若い頃は音楽やアート、サブカルチャーにも強く惹かれていました。

90年代初頭は、ポストパンクやニューウェーブなど、アメリカやロンドンからのサブカルチャーがとても強い時代でした。それらは私の芸術的な感覚にも大きな影響を与えました。

ギリシャの大学では、あまり自分には合わないと感じ、ロンドンへ移り、ロンドン・カレッジ・オブ・ファッションで学びました。そこでファッションやアートに対する情熱を見つけ、日本への興味も深まっていきました。

MGAを着ることで、ひとりひとりが自由に自分を表現し、あらゆるしがらみから解き放たれポジティブに輝く、そんなオーラを纏ってもらいたいと思っています。MGAの服は着る人がどんどん新しい着方を発明したり組み合わせたり楽しめる自由な服です。

お客様がより創造的になり、自信を持ってくださるとき、私たちはとても幸せです。創造性はより良い人生を作っていくと信じています。私たちのマニフェストは、“クリエーティブを纏え。” です。

10年以上にわたる試行錯誤、あらゆる経験を通じて、私たちは自分たちの主な目的が「ひとりひとりが内面に持つ創造性を表現し、世界とコミュニケーションすること」だと気づきました。

約20年前、ギリシャのビジュアルアーティスト/タイポグラファーのアポストロスリゾスApostolos Rizosと仕事をしていたとき、この特別な形のアイデアを出してくれました。

それは、正方形と円の中間にあるような形です。完全な形ではなく、四つの要素を構成する線も少し非対称です。四角でもない丸でもない、カテゴリーにはまらないその形は、私の美意識やデザインの考え方をとてもよく表していました。

その後、日本に来てから、わびさびの哲学にインスパイアされながら、自分自身で内側の線をさらに発展させました。刺繍データはわたしが自らの手で調整しました。

若いデザイナーだった頃の私は、インダストリアルと自然、機械と手作業、そのような対比を表現したいと考えていました。それが私にとって最初の大きな挑戦でした。

私は、古代ギリシャ文化に自然と興味を持って育ちました。建築の要素や、ギリシャの人々が発展させた哲学にも影響を受けています。

ソクラテスのような思想や、イマヌエル・カントの考え方も、私の思考の手がかりを与えてくれました。

同時に、現代美術のムーブメントも重要でした。仏教や輪廻転生、東洋思想についての本も印象に残っています。

日本からは、映画の映像美に影響を受けました。ギリシャで幼少期に見ていた溝口健二監督、黒澤明監督や小津安二郎監督のモノクロの風景は、私の感性に強く響きました。また、大学時代に観た『ブレードランナー』のような未来的な映画も、大きな影響を与えてくれました。

相反するものの融合、例えば工業的な要素と自然の融合を創り出すことです。生地そのものがインスピレーションの源です。

ある形がさまざまな表現に変化できる。着る人が自由な着方で自分を表現できる。その一定ではない「変化する。ということ」にとても興味があります。

人は変われるし、この世のすべてのものは変化する、服は人が身につけるものです。芸術的な要素を持ちながら、機能的で、快適で、実用的で、カタチだけでなく精神面でも変化を起こさせるものでありたい。そうした要素すべてが、私が創作を始める際の原点になっています。

私の線は、感情そのものです。

意味を持たずに引かれた線が、その瞬間の感情を表現します。布に絵を描いたり、ペイントしたりするとき、その線はより太く力強いストロークへと変わります。

そこには、書道や抽象表現主義からのインスピレーションもあります。色によって形が生まれ、色と色との構成、その連なりこそが、私にとって最もインスパイアされる要素です。そしていつでも描けるわけではなく、何か見えない力とつながった。と感じたときに一気に描ける、私の手を使って神が表現しているかのような感覚です。

あるプレゼンテーションの後、ビルの外で泣いたことがありました。結果に失望したからです。私はかなりナイーブなところがあるので。

でも、そうした体験の積み重ねが、私たちのキャラクターの違いや、ブランドとしてのビジョンにつながっていったと思います。振り返ると、それも素晴らしい経験でした。

等々力への移転という出来事から、ブランドが面白く動き始めました。

私は「未来的でありながら自然なもの」という視点で素材を選んでいます。

着物にはサステナブルな価値があります。美しく、歴史があり、意味もあるのに、現代では着る機会が少なくなっています。

多くの人が、着物をどう活かせばいいのか分からない。だからこそ、私たちが着物を簡略化し、さまざまな形に再構築することで、より多くの人が、より多くの場面で着られるようになればと考えました。

ブランド名は、ユニットである2人の名前を合わせていて、「アート」と「プロダクト」を融合させるという意味でもあります。

“MICHAIL” という言葉には、自然や書の自由な精神が込められています。一方で “AOYAMA” という言葉には、ビジネス、製品、インダストリアルな要素が含まれています。

アートと産業、日本とギリシャ、工業と自然。そうした相反するものの美しさを、ロゴやブランド名で表現しています。

「喜び」があるときに、良いものが生まれます。自分自身が幸せな気持ちであるとき、自然とものづくりが進むんです。

デザインは、小さなことからインスピレーションを得ます。花の色や形、雨、感情の揺らぎ。そのようなものがきっかけになります。

何かをデザインするとき、私はそれを最初に身につける人のことを想像します。そのフィードバックは、とても大切です。

私の作品は、常に「インダストリアルとナチュラル」「ハードとソフト」「現実と夢」といったコントラストに支えられています。その対比こそが、創作の源です。

アンビエント、テクノ、ポストパンク、ニューウェーブなど、気分に合わせていろいろ聴きます。絵を描いたりデザインしたりするときは、映画のサウンドトラックもよく聴きます。

音楽は常に私の創作に影響を与えていて、デザインと感情をつなぐものです。

お気に入りの場所は、神社の近くです。静かな瞬間があり、空に向かって話すような時間が心を整えてくれます。海も好きですが、なかなか行けないのが残念ですね。

東京の都市のにおいや、高層ビルの雰囲気も好きです。渋谷のような近未来的な場所には活気があり、とても刺激を受けます。

ただ、今は静かな自然の中で過ごすことが日常なので、そのバランスが大切だと感じています。

私は、趣味で日々を区切るタイプではありません。気分が動いたときに何かを始めるタイプです。

日本に来てからは、哲学的な対話をすることが好きになりました。結果にとらわれず、その瞬間を自由に語り合う。そういう時間が好きです。

地中海文化の中には「今を楽しむ」という考え方があります。「なぜ昨日のことを悔やむの？」「なぜ明日の心配をするの？」という、楽天的で今を生きる姿勢があると思います。

日本の生地の着るアートを通じて、人々の自信や創造性を引き出し、ありたい自分でいられる、人生をより楽しく過ごす、そんな人たちとつながること。その輪を世界に広げること。これが私のやりたいことです。

今までの経験でシンプルな法則にも気が付きました。それをシェアすることで誰かが救われたり、幸せになれたりするなら、それが私の喜びでもあります。

私たちのブランドは、日本の素材や思想と、ギリシャの感性を融合させています。

それを理解し、共感してくれる好奇心旺盛で、知的な人々と出会える場所。ロンドンや中東のような多文化都市には、その可能性を感じています。そうした人々と交流し、価値あるコミュニティを築いていきたいです。

私たちが伝えたいのは、「自分を表現することの大切さ」と、「クリエーティブになることで自信が生まれる」ということです。

あなた自身の声と個性を見つけてほしい。そのサポートができたら、私たちはとても嬉しいです。